British style bible i-D just dropped two eps of this new series with a focus on emo, grime, jungle, and cybergoth.

Now in its 35th year British culture bible i-D have just dropped the first two episodes of a new series: A History of British Style Tribes. First up is a look at the landscape that birthed grime at the turn of the millienium—post-Napster and pre-YouTube—what these emerging stars were listening to, rapping about, and wearing (hello boilersuits!). Check it out above.

In the second half of this episode, emo is the order of the day and specifically the geneology of the genre from post-hardcore and nu metal. Oh the flat-ironed, asymmetric, bleak, black hair, and existential angst!

Below is ep two which zeroes in on kids who loved jungle and self-described cybergoths. The roots of jungle lie in the rave and hardcore scenes of the early 90s, combined with a love of reggae and Jamaican music, meanwhile the look was flashy and in your face—Moschino all day everyday. But this also tells the story of the scene's dark underbelly as drugs and crime eased its way in. And then the birth of cybergoth and specifically the label Cyberdog. Good God, all that neon, all those colorful dreads. Those dance moves! Very Total Recall. Watch on.

i-D & Channel 4, 2015, 02:08


An intimate portrait of Anton Corbijn as he travels the world as a photographer, film maker and video artist. A unique and revelatory look at the drama and conflict inherent in the man himself: the sacrifice of his private life versus his meteoric career, his commercial success versus his desire for artistic recognition, and his audience's admiration versus his personal loneliness.

Anton Corbijn's prolific work has shaped the image of artists such as Joy Division, U2, Nirvana, Metalica, Depeche Mode or R.E.M. But what drives the photographer, filmmaker and video artist who has been hidden from the public for so long?

INSIDE OUT explores Corbijn's persona, uncovering his motivation and inherent conflict as an artist, between audience's admiration and personal loneliness and the unique iconography he created. With critical and insightful interviews of artists like Bono, George Clooney, but most of all Corbijn himself, we follow him to his current and childhood homes and his places of work, studio and film set to reveal the portrait of one of the most significant artists of post-modern pop culture.

2012, 01:27


Die Bilder von Keith Haring, seine dynamischen Linien und tanzenden Figuren sind weltbekannt. Er wollte Kunst für alle machen, also malte er da, wo die Menschen sind: in U-Bahnhöfen, auf Plakatwänden und sogar auf Toiletten tauchten seine leichthändigen und expressiven Kunstwerke auf. Der Film zeigt, wie Haring zu einer Schlüsselfigur der New Yorker Popkultur wurde und seine Kunst zunehmend politisch. 

Die Dokumentation erzählt auf der Grundlage von teilweise unveröffentlichten Interviews mit Keith Haring seinen unaufhaltsamen Aufstieg in der Pop- und Kunstwelt des New Yorks der 80er Jahre.

Keith Haring ist eine Schlüsselfigur in der New Yorker Popkultur und der Kunstszene der 80er Jahre. Er wollte die Kunst so niedrigschwellig wie möglich, er wollte Kunst für alle und wollte, dass sie von allen verstanden wird. Deshalb waren Hauswände und U-Bahnschächte ideal für seine Kunst. Später kamen Pop-up-Läden hinzu und bald wurde er auch von den Museen entdeckt. Seine Arbeiten begeisterten in ihrer Zugänglichkeit auch Menschen, die sich wenig mit Kunst befassten.

Dabei adressierte er mit seinen Bildern hochpolitische Themen wie Homophobie, Rassismus oder die Aidskrise. Er malte bisweilen wie im Rausch und es scheint, als sei ihm früh bewusst gewesen, dass ihm wenig Zeit im Leben bleibt. Im Jahr 1990 starb Haring mit 31 Jahren an Aids.

ARTE, 2020, 00:55


The Universe of Keith Haring is a 2008 documentary by the filmmaker Christina Clausen about the artist Keith Haring. In the film, the legacy of Haring is resurrected through colorful archival footage and remembered by friends and admirers such as artists Kenny Scharf and Yoko Ono, gallery owners Jeffrey Deitch and Tony Shafrazi. The film was produced by Paolo Bruno, Eric Ellena and Ian Ayres. The film was shown at the Tribeca Film Festival and has been released on DVD. Through interviews with collaborators and friends such as the choreographer Bill T. Jones, the film offers thoughtful reflection "on a man whose impulse, Jones says, 'was to do the work and live the life,' it is the passion and commitment we see in the artist himself that makes the most lasting impression.

ARTE, 2008, 01:38



Paris Is Burning is a 1990 American documentary film directed by Jennie Livingston. Filmed in the mid-to-late 1980s, it chronicles the ball culture of New York City and the African-American, Latino, gay, and transgender communities involved in it. Critics consider the film to be an invaluable documentary of the end of the "Golden Age" of New York City drag balls, and a thoughtful exploration of race, class, gender, and sexuality in America.

In 2016, the film was selected for preservation in the United States National Film Registry by the Library of Congress as being "culturally, historically, or aesthetically significant".

The title takes its name from the Paris Is Burning ball held annually by artist Paris Dupree who appears in the film.

The film explores the elaborately-structured ball competitions in which contestants, adhering to a very specific "category" or theme, must "walk", much like a fashion model parades a runway. Contestants are judged on criteria including their dance talent, the beauty of their clothing, and the "realness" of their drag - i.e., their ability to pass as a member of the group or sex they are portraying. For example, the category "banjee realness" comprises gay men portraying macho archetypes such as sailors, soldiers, and street hoodlums. "Banjee boys" are judged by their ability to pass as their straight counterparts in the outside world.

Most of the film alternates between footage of balls and interviews with prominent members of the scene, including Pepper LaBeija, Dorian Corey, Angie Xtravaganza, and Willi Ninja. Many of the contestants vying for trophies are representatives of "houses" that serve as intentional families, social groups, and performance teams. Houses and ball contestants who consistently win trophies for their walks eventually earn "legendary" status.

Jennie Livingston, who moved to New York after graduating from Yale to work in film, spent six years[6] making Paris Is Burning, and interviewed key figures in the ball world. Many of them contribute monologues that shed light on gender roles, gay and ball subcultures, and their own life stories. The film explains how words such as house, mother, shade, reading and legendary gain new meaning when used in novel ways to describe the gay and drag subculture. The "houses" serve as surrogate families for young ball-walkers who face rejection from their biological families for their gender expression and sexual orientation.

The film also explores how its subjects deal with issues such as AIDS, racism, poverty, violence and homophobia. Some, such as Venus Xtravaganza, become sex workers to support themselves. Near the end of the film, Angie Xtravaganza, Venus's "house mother", reacts to news that Venus is found strangled to death and speculates that a disgruntled client killed her. Others shoplift clothing so they can "walk" in the balls. Several are disowned by transphobic and homophobic parents, leaving them vulnerable to homelessness. Some subjects save money for sex reassignment surgery, while a few have completely transitioned; others receive breast implants without undergoing vaginoplasty.

According to Livingston, the documentary is a multi-leveled exploration of an African-American and Latino subculture that serves as a microcosm of fame, race, and wealth in the larger US culture.[8] Through candid one-on-one interviews, the film offers insight into the lives and struggles of its subjects and the strength, pride, and humor they display to survive in a "rich, white world."

Drag is presented as a complex performance of gender, class, and race, and a way to express one's identity, desires and aspirations. The African-American and Latino community depicted in the film includes a diverse range of sexual identities and gender presentations, from "butch queens"(gay cisgender men) to transgender women, to drag queens, to butch women.

The film also documents the origins of "voguing", a dance style in which competing ball-walkers pose and freeze in glamorous positions as if being photographed for the cover of Vogue.

However, Livingston maintained in 1991 that the film was not just about dance:

1990, 01:16



Die kurze, aber intensive Blütezeit der frühen Nachtclubs und Discotheken in Italien, Deutschland, Spanien und New York.

Im Lichtgewitter futuristischer Tanzclubs versammelten sich Nachtschwärmer*innen, um in rauschhaft entgrenzten Räumen aus Sound, Licht, Plexiglas und Plüsch von einer grenzenlosen Freiheit zu träumen. Die Discotheken der 1960er und 1970er Jahre waren Gesamtkunstwerke und sie schufen Räume für intensive, multimediale Erfahrungen, die auch in den politischen Raum wirkten. Die Nachtclubs trugen entscheidend zur Emanzipation von Minderheiten, von Homosexuellen und Schwarzen bei. Die Gesellschaft in den 1960er Jahren befand sich im Umbruch, die Jugend revoltierte, brach mit alten Vorstellungen, ob es um Sex ging, Drogen oder Politik. Sie wollte raus aus dem Korsett gesellschaftlicher Normen und Dogmen, und sie wollte die freie Liebe. Die jungen Künstler*innen zog es raus aus den „toten Museen“, rein in das echte Leben. Die Architekt*innen ließen den strengen, humorlosen Funktionalismus, die spaßfreie Klötzchen-Architektur, den rechten Winkel hinter sich.

Der Club als Gesamtkunstwerk.

Also fingen sie an Nachtclubs, Diskotheken zu bauen, sie einzurichten, sie zu beschallen und zu beleuchten, um darin ein neues Lebensgefühl zu testen. Die frühen Clubs waren Versuchslabore, um durch Erlebnisräume aus Tanz, Licht, Sound und Drogen neue gesellschaftliche Perspektiven zu öffnen. Sie waren Gesamtkunstwerke. Nachtclubs und Diskotheken wie das Creamcheese in Düsseldorf waren in den 1960er Jahren die heißen Brüter der Popkultur. Die Künstler der Gruppe ZERO um Uecker, Mack und Piene machten aus dem Düsseldorfer Club ein permanentes Happening. Sie wollten die Zeitgenoss*innen mit Stroboskoplicht und Tonexperimenten aus ihrem Wohlstandstiefschlaf wachrütteln. Disco stand gleichermaßen für eine Öffnung, eine Demokratisierung der Kunst, wie auch für eine Verflechtung ihrer Genres und eine Negierung ästhetischer Kategorien und Hierarchien. "In diesem Prozess entstand ein Kollektiv, das gebärdend, tanzend und agierend, eine dynamische Skulptur (...) bildete“, so Günther Uecker.

1964 hatte Andy Warhol seine Show „Exploding Plastic Inevitable“ im New Yorker Club DOM aufgeführt. Für den Sound sorgte die Band Velvet Underground. Der Club wurde zur Bühne der Besucher*innen. Marginalisierte und verfolgte LGBTQ-Gruppen machte Warhol zu seinen Superstars. Durch die "neuronale Massage" konnte das Publikum sein Bewusstsein erweitern, mit alternativen Persönlichkeiten experimentieren und geschlechtliche Identitäten und Orientierungen ausprobieren. ZERO experimentierte schon seit Anfang der 1960er mit dem Medium Licht. Traumatisiert von Kriegserfahrungen, schufen sie eine Lichtkunst der reinen Schönheit. 1964 stellten die Künstler der ZERO-Gruppe in New York aus und sahen dort Warhols Lichtshow. Die Amerikaner*innen bestaunten im Gegenzug die europäischen Experimente. Die Diskokugel, als hybrides Objekt zwischen Helligkeit und Dunkelheit, eignete sich als Gegenstand von Überlegungen über das Licht der Aufklärung, den männlich zentrierten Blick und daraus resultierende Genderfragen.

Clubkultur = Subkultur?

Angeregt von den Entwicklungen in den USA gingen die italienischen Nachtclubs der 1960er und 1970er Jahre einen anderen Weg: Ihr demokratischer, nicht kodifizierter und nicht kommerzialisierter Ansatz bot Künstler*innen und Designer*innen die Möglichkeit, neue Wege zu gehen. Die Räume entstanden kollektiv in demokratischen Prozessen und verstanden sich als Labore für utopische Gesellschaftsentwürfe. Gruppen wie Archizoom, Gruppo 9999 oder Gruppo 65 erfanden gemeinsam mit Designer*innen und Künstler*innen legendäre Clubs wie das Space Electronic in Florenz oder das Mach2 in Rimini. Es waren Räume einer Gegenkultur und der Teilhabe. Die jungen Architekt*innen fühlten sich der Gesellschaft verpflichtet, nicht Gebäuden. Auch sie entdeckten im Nachtclub die ideale Bauaufgabe, um zu experimentieren und gegen die Geschichte zu revoltieren. Der Erfolg dieser Freiräume hatte bald auch eine Kehrseite. In Spanien leistete sich die Franco Diktatur liberale Clubs an der Costa Brava, um das außenpolitische Image aufzupolieren. Und die rasante Kommerzialisierung der Diskomusik zwang die experimentellen Clubs bald zur Aufgabe. In den USA wurde Anfang der 70er das Tanzverbot für Gleichgeschlechtliche abgeschafft. Daraufhin entstanden im ganzen Land schwule Clubs und Bars wie das Continental Bath in New York. Das gab der Clubkultur auf der einen Seite einen ungeheuren Schub, auf der anderen Seite entwickelte sich die Disco nun rasant zum Mainstream-Phänomen. Die Disco an sich blieb bestehen, vielleicht nicht mehr als revolutionäres Gesamtkunstwerk der Gegenkultur, aber als (Frei)Raum, sich selbst in Szene zu setzen.

Der Film erzählt die kurze, aber intensive Blütezeit der frühen Nachtclubs und Discotheken in Italien, Deutschland, Spanien und New York.

3Sat, 2020, 00:45

Based on the private collection of the Welcome To The Robots Project. No claim to completeness.









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